Thursday, June 12, 2014

ana teresa barboza


http://anateresabarboza.blogspot.com.au/
MODOS DE VESTIR



Modos de Vestir, primera individual de la artista Ana Teresa Barboza, presenta obras en escultura, fotografía, dibujos bordados, así como híbridas prendas de vestir que indagan en las distintas posibilidades del vestido como elemento de socialización y que, en conjunto, funcionan como una alegoría del propio cuerpo.
La artista recurre al vestido como una figura capaz de revelar actitudes para con el entorno inmediato, y recurre también a la configuración de vínculos intersubjetivos. En este sentido, las prendas facilitan la visibilización de conductas y dinámicas comunes en las relaciones afectivas —especialmente las de pareja— que escenifican vínculos de apego y dependencia. Barboza se aleja así de la línea estrictamente autoreferencial de su trabajo previo, en el que su cuerpo se presentaba seccionado, herido, hurgado y delicadamente recompuesto a través de la costura y el bordado. En Modos de Vestir el ropaje no se entiende más como un sustituto figurado de la piel, como el otrora tejido limítrofe, campo de conflicto y negociación de un cuerpo que mira hacia el interior. En esta primera individual, el ropaje se entiende como metáfora de modos relacionales: el cuerpo vira la mirada hacia su entorno y analiza la calidad de los vínculos que lo unen a otros.

En esta ocasión el bordado se distancia de la aplicación de patrones decorativos y se torna en herramienta narrativa. A través de viñetas en fino hilván y de aplicaciones sobre fotografías transferidas en tela, el bordado asume las formas del dibujo y la pintura. Esta narrativa resulta evidente en el primer grupo de dibujos bordados en el que la artista nos presenta una serie de instrucciones a seguir (o precauciones a tomar) en formato de diario. Mientras nos introduce, paso a paso, en el proceso de construcción de una prenda, Barboza establece el primer paralelo entre las relaciones afectivas y las prendas de vestir: ambas se encuentran atadas, cosidas por hilos a veces invisibles y, además, su proceso de confección puede resultar doloroso.

Por otro lado, un segundo conjunto de prendas diseñadas y elaboradas por la artista semejan estructuras blandas y móviles que configuran ‘espacios’ para ser habitados por dos cuerpos. Las “prendas-para-dos” se establecen entonces como instrumentos relacionales con el potencial de facilitar un tipo de encuentro condicionado, pero a la vez como una barrera que impone una postura y una interacción que, a su vez, limita la posibilidad de movimiento individual: estos vestidos existen solo cuando hay cuerpos que los sostengan y los activen; sin ellos sus superficies inertes se tornan en pura oquedad.

Finalmente, un tercer grupo nos confronta con una figura un tanto distinta. El elemento central lo constituye una delicada pieza escultórica en resina. La obra —un híbrido entre mesa, mantel y mandil— alude a lugares comunes en nuestras construcciones sociales de género. Más allá de la asociación primera y evidente del cuerpo femenino (ausente) y de lo doméstico; la mesa-mandil apunta también a una actitud de servicio para con los demás. Esta actitud se revela una vez más como una atadura, una condición que estanca cual pesado lastre. El acabado aporcelanado provee a la mesa-mandil de un particular refinamiento y aparente ligereza. Esta, sin embargo, no es más que una apariencia frágil. La pieza, en realidad, es engañosamente maciza. La feminidad no es más que un cúmulo de signos arbitrariamente asignados de los que Barboza se apropia con sutil ironía.

Modos de Vestir abre el imaginario de Ana Teresa Barboza, poniendo énfasis en distintas modalidades del vestir. En efecto, uno puede vestir una mesa, un cuerpo, o incluso vestir las palabras; las distintas modalidades del vestido articuladas aquí operan sin embargo en clave alegórica. Quizás uno podría pensar en Modos de vestir como un ensayo de las distintas posibilidades del vestido como lenguaje, o acaso como elemento determinante en la configuración de un lenguaje corporal; pero sobre todo, las piezas constituyen un léxico privado, íntimo, que Barboza comparte con nosotros en un tono casi confesional.


Sharon Lerner

Sunday, March 13, 2011

Dana Carlson

http://www.danacarlson.com


Night Shrine
44 × 38 inches
embroidery, applique, beadwork and paint
2008





What appeals to me is basically just mark-making - the accumulation of marks and what they add up to when they are abutted and stacked up on top of eachother. My work gives me an opportunity to put all these marks together - to combine imagery, symbols, landscape, still-life, portraiture, literal marks that read only as marks, gestural marks (on a continuum from painterly 'fine-art' marks to dorkus majoris marks), pattern & decorative marks, + the whole material quest. It's a lot. They all get to be players in the pictorial vs. abstract painting battle that remains un-won.

Starting a new work is like embarking on an adventure of sorts. It's the lamest statement - totally cliche, I know - but it's true. Sorry. How well the plan is laid out varies but discovery is the thing. And beauty - a dubious term but my quest is not to make something "good" or even "considered" but to find the beauty that comes from the moment when all the pieces are balancing just right. Directness is key. Less mediation, less art, more thing and process. Process feels more honest. Absurdity is always welcome. Really what I'm looking for are new combinations, combinations that register on the feeling vs. semantic vs. form axis.

I think about how much good-looking, cool advertising and fashion there is out there - not to mention contemporary art. Our eyes get really trained to look in a set mode and so for me - I am trying to figure out how to escape that a little. That's probably impossible. Thrift store paintings start looking amazing - bad decisions can be great decisions - that kind of thing. It's not to be clever or ironic it's to find some other way. And yes, this strategy is yet another that's been around. Who knows. Ideally I want to make paintings in ways that I don't already know so much. That's my plan.

2002 - (but still applies)

I fashion myself as a Romantic artist for the 21st century - with some major hang-ups. By combining Abstract Expressionism's gestural risk taking with an ambition for the grace, beauty, and swooning elegance of Titian and Tiepolo, my work presents a lyrical, delightful, rock-n-roll dream landscape populated by birds, guitars, furniture, and pattern. This Romantic, almost surreal world of love and beauty is countered by a self conscious anxiety present in my mark-making and conflicting painting languages. The result is an absurd compromise of my inner, fantasy world with a nagging obligation to address my personal angst, however embarrassing. I liken it to listening to the Velvet Underground as a teenager driving your parents' car in the suburbs. Driving in that car you can be anything; your life feels full of possiblities and the world itself is utterly cool, but you still have to come home to eat your dinner and clean your room.

Friday, March 4, 2011

Dawn Tan





Hi! I'm Dawn. I live in Melbourne. I spend a lot of my time eating and cooking. I love food so much, it makes me make art out of it.

I create drawings and soft sculptures out of fabrics, choosing packaging I'm drawn to. But ultimately, the reason for creating food related art, comes from my intrigue with how packaged food is taking over natural, organic food. The idea of consumption becoming obsessive, how traditional made-from-scratch meals are now replaced often by instant colourful packaged food, serves as a basis for much of the work I create

Wednesday, March 2, 2011

Abigail Reynolds




Toxicity test is an increasingly disrupted crochet sequence.

Starting with a basic pattern for a string bag, each sucessive round of the Grand Mutator adds a level of deviation from the starting patten. This progressive mutation relates to Darwinian evolution where forms are considered to change due to mistakes in coding over time.

Another reference for this work are the toxicity tests performed on spiders in the 1960's to determine the levels of toxicity of recreational drugs. (above)

http://www.abigailreynolds.com/index.html

Wednesday, February 16, 2011

Rachel Denny





Rachel Denny's work is an exploration of the seductive beauty of our natural world and the imprint that human intervention has made on its flora and fauna. Denny is attracted by the exuberance of nature in urban and unexpected places. “A deer in an urban backyard, a family of Peregrine falcons at my neighborhood park, a coyote skirting a parking lot,” she says, “These all become a moment of wonder as they shake us out of our daily routines." Denny works in a variety of materials—wood, plaster, resin, wool, found objects—to name a few. She is interested in the potential of her materials and how they can be manipulated in unexpected ways. “I am inspired by the elegant forms found in the natural world and the time honored action of trying to depict these forms in a relevant and interesting way that is an homage to this beauty and wonder." Denny is best known for her “Domestic Trophies” work—deer heads covered in cozy cashmere cable knit woolens and the like. She has shown in galleries nationwide for over 10 years, and her work will be shown at The Ohio Museum of Craft and the Winston-Wachter gallery in Seattle in the coming year..